cine qua non

La vida de los peces

2010-06-23T17:27:00.000-07:00

Por momentos claustrofóbica - en un primer plano permanente- agotadora y agobiante; la nueva propuesta de Matías Bize nos muestra un instante en la vida de Andrés (Santiago Cabrera), un joven chileno que vive en Alemania y que en su paso por Chile decide ir visitar a los viejos amigos.

En su recorrido por este laberinto lleno de a habitaciones y recuerdos, Andrés se encuentra con un mundo desconocido y ajeno. Como un turista, siempre de paso, siempre apurado, conversa con los habitantes de la casa. Diálogos cargados de emociones intensas y de momentos emotivos e hilarantes, como aquel encuentro con dos niños en uno de los cuartos de la casa.

Jugando al gato y el ratón, Beatriz (Blanca Lewin), el amor de su vida, le rehuye por los pasillos y se esconde para no remover las cenizas del pasado. Sin embargo, las heridas siguen abiertas y Andrés debe sanarse para poder continuar su viaje, algo que no será tan fácil.

Como una metáfora un tanto difusa, la pecera es un elemento importante dentro de este relato, lleno de diálogos y recuerdos fragmentados. No sólo en el aspecto visual, sino también a nivel discursivo, ya que representa el envase en que encajamos nuestros actos, nuestra vida y también aquellos límites -a veces invisibles- pero existentes.

Sin grandes ambiciones y en un tono minimalista, Matías Bize nos propone reflexionar sobre la comunicación en las relaciones humanas. Sus personajes son intensos, complejos, pero al mismo carecen de sentido y convicciones. Al igual que "En la Cama", Bize sigue en la senda de configurar un cine personal y fiel a sus raíces. No se complica, sólo muestra lo que ve y eso se agracede.

Un estreno refrescante, de uno de los directores más prometedores del mal llamado cine chileno.

Sherlock Holmes

2010-01-12T20:49:00.000-08:00

Para los fanáticos Sir Arthur Conan Doyle, les presento el trailer de la última versión cinematográfica del célebre personaje, Sherlock Holmes, convertido en un héroe de acción al más puro estilo hollywoodense, que lo disfruten...

"La nana" gana importante premio de cronistas hispanos de Nueva York

2010-01-12T20:37:00.000-08:00

Dos nuevos galardones ha sumado la película "La nana". Esta vez, la Asociación de Cronistas de Espectáculos (ACE) de Nueva York, que premia anualmente a lo mejor del cine iberoamericano, seleccionó a la película de Sebastián Silva como la mejor del año y además le concedió a su protagonista, Catalina Saavedra, el premio a la mejor actriz.

Este logro se da justo en vísperas de las premiaciones de los Globos de Oro, que se realizarán el próximo 17 de enero, donde la cinta chilena competirá en la categoría de Mejor Película Extranjera.

El film ha participado en diversos festivales y ha sido reconocida por varios círculos de especialistas, acumulando prestigiosos trofeos como los obtenidos en el Festival de Sundance y en los Gotham Awards.

Este es el segundo año consecutivo en que el cine chileno está representado en los premios de la ACE, ya que el 2009 el actor nacional Benjamín Vicuña obtuvo el galardón como mejor actor de reparto por la película española "Fuera de carta".

Entre los otros galardonados de la asociación, está la española "Celda 221", cuyo protagonista, Luis Tosar, se impuso como mejor actor; la realizadora argentina Lucrecia Martel, que fue seleccionada como mejor directora por su película "La mujer sin cabeza"; y el documental "Bosch: Presidente en la Frontera Imperial", del dominicano René Fortunato, que ganó el premio en su categoría.

Asimismo, la ACE anunció que le otorgará la distinción extraordinaria del año a la cineasta mexicana Natalia Almada por su documental "El general", que trata sobre su bisabuelo, el ex presidente mexicano Plutarco Elías Calles.

Los Premios ACE se entregarán el próximo 17 de abril en el Kaufman Center de Nueva York.

Fuente: Emol

Zombieland

2009-12-29T06:36:00.000-08:00

Las películas de zombies han dejado de ser parte del cine de terror para convertirse en un subgénero dentro de las llamadas películas clase B.

Atrás quedaron las míticas cintas de George Romero con su crítica social sobre la decadencia del mundo moderno y el libre mercado, para dar paso a un cúmulo de historias que utilizan el mismo recurso con el sólo objetivo de entretener, algo que a mi juicio no está mal, pero que resta cierto romanticismo al género.

Pero viéndolo de otro modo, cada cierto tiempo aparece una película que destaca por sobre las demás, ya sea por su historia o simplemente porque supo capturar aquello que el espectador (asiduo a estas cintas) anda buscando.

Creo que es el caso de Zombieland de Ruben Fleischer, una producción de bajo presupuesto (apenas 25 millones de dólares) que se ha convertido en un fenómeno de taquilla gracias a los buenos comentarios y críticas que ha generado tras su estreno.

La historia, bastante simple por lo demás, sigue la senda marcada por sus antecesoras. Un grupo de personas deben sobrevivir en un mundo invadido por muertos vivos que fueron contaminados por un virus, pero nadie sabe como comenzó y la verdad...a nadie le importa mucho.

En este mundo apocalíptico, Columbus (Jesse Eisenberg), un joven cobarde y lleno de manías, debe enfrentar sus más grandes temores para sobrevivir en una travesía llena de obstáculos a la que se suman otros tres personajes , empezando por el rudo Tallahassse (Woody Harrelson), cuyo único objetivo es conseguir un pastelito relleno con crema conocido como Twinkie, y dos hermanas adolescentes y estafadoras, Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), quienes le pondrán la cuota de picardía a esta "road history" de fin del mundo.

La crítica

Sobre la apuesta visual debo decir que me pareció adecuada. La secuencia en cámara lenta del principio (bastante larga) sirve para dar el contexto de la historia y nos permite anticipar lo que vendrá.

Desde el punto de vista del ritmo, es una cinta dinámica, entretenida y llena de humor, para quienes gustan de la ironía y los chistes negros.

Considero que el guión, los personajes y particularmente las actuaciones hacen de esta película algo especial y que de seguro dará más de una sorpresa a aquellos que no están acostumbrados a ver este tipo de cintas.

En fin...vayan a verla al cine.

Director de corto uruguayo trabajará para Hollywood

2009-11-28T08:52:00.000-08:00

El joven uruguayo Federico Alvarez, realizó un fantástico cortometraje de ciencia ficción, utilizando la técnica 3D con la que logra crear una escena de terror, cuando robots gigantes atacan Montevideo y destrozan la Torre de Antel, el Palacio Legislativo, el Palacio Salvo y la Intendencia de Montevideo.

“Ataque de Pánico” es el título del corto que Alvarez decidió colgar en Youtube. El filme dura unos cuatro minutos, costó unos 300 dólares, para pagar a los extras que participaban y la post-producción con efectos incluídos fue a pulmón. Alvarez junto con Mauro Rondan, otro artista 3D, tardaron 6 meses repartidos en 2 años, para finalizar el trabajo, que fue realizado con los programas 3dMax, FumeFx, Glu3d, AfterEffects, Photoshop y Premiere.

Directo a Hollywood

Desde que se publicó, cientos de miles han visitado el sitio, dejando además sus comentarios, destacando el trabajo realizado por el joven uruguayo.

Lo mejor de todo es que el video sorprendió a los ejecutivos de los estudios y compañías más importantes de Hollywood que no pueden entender que el cortometraje solo costara U$S 300, quienes enviaron al creativo uruguayo innumerable correos electrónicos, encontrándose entre los remitentes afamados estudios como Fox y Dreamworks, empresa de Steven Spielberg, entre otras.

Luego de un viaje relámpago que Alvarez realizara a la meca del cine, se confirmó por parte de la prensa capitalina y varios medios digitales, que el cineasta firmó un contrato con la productora Ghost House de Sam Raimi, para dirigir su primer largometraje.

En una entrevista realizada por Búsqueda, Alvarez afirmó que “es el sueño del pibe”. La película tendrá entre 30.000 y 40.000 dólares de presupuesto, con cuatro o cinco mees de desarrollo de guión y luego preproducción. “Será un filme que podremos disfrutar a finales de 2011”. Será de ciencia ficción y estará ambientado en Montevideo y Argentina.

Álvarez llegó a Hollywood y escuchó varias propuestas, decidiéndose por la de Raimi (director de la saga de Spider-Man) que le exige “exclusividad absoluta”. El director apadrina el proyecto “y también te asegura acceso a cualquier tipo de técnicos, fotógrafos o directores de arte”, agregó, indicando que en el contrato no se habló de historias o guiones, “básicamente quieren asegurarse de formar parte en mi primera película”, y agregó que “tiene que ser una idea desarrollada totalmente por mí”.

Fuente: El Acontecer.com.uy

Fiesta Patria

2009-08-27T10:37:00.001-07:00

Si de películas chilenas se trata, actualmente podemos encontrar de muchos tipos. Algunas han sido grandes aciertos y otros definitivamente no. Fiesta Patria, un largometraje de Luis Vera, es o trata de ser, un metáfora del Chile actual con sus incongruencias sociales. Sí es verdad, a pesar de los años, vivimos en un país que sigue dividido por la historia reciente y que trata de ocultar sus diferencias sociales a través de un cada vez más pujante Estado de Libre Mercado disfrazado de Gobierno Popular.

Pero bueno, esto no es un manifiesto político. La película es excesiva en todos los aspectos. Trata de abarcar tanto que no da abasto. Su falta de síntesis y sentido de la historia hacen que el espectador se pierda entre una infinidad de personajes que aparecen de la nada y que representan una caricatura de aquellos seres que supuestamente pueblan nuestra fauna nacional.

Por un lado, tenemos una familia conservadora con un drama a cuestas que se devela al final de la cinta, y por otro, una familia totalmente opuesta que perteneció al Partido Comunista y que ahora disfruta de los réditos de 15 años de gobierno sirviendo como funcionarios públicos.

La excusa para juntarlos es el matrimonio de los hijos menores, dos veinteañeros que representan nuestro presente, pero que como exponentes o representantes nos hacen un flaco favor.

Esta película, sin duda, trata de reeditar aquellas producciones que se hicieron a principios de los 90, tales como La Frontera o La Luna en el Espejo, utilizando la metáfora como recurso principal. Sin embargo, ni la idea ni la cinta logran ese efecto.

Definitivamente esta es una película olvidable, anclada en pasado aburrido y mezquino, y no merece mayor análisis. Creo que aún así estoy siendo bastante amable con una producción mediocre y sin clase. Señor Vera, el que sabe, sabe; lo demás, aplauden. Por mi parte, me levanto de la butaca y me voy.

UP, una aventura de altura

2009-07-08T23:50:00.000-07:00

Hace más de medio siglo comenzó el reinado de Disney gracias a los largometrajes de animación, hoy ese lugar lo ocupa el gigante de la animación digital, Pixar Estudios, que ya ha roto todos los records con su última película, "Up, una aventura de altura". Diarios y revistas no se cansan de alabarla y le dedican páginas completas, mientras las salas siguen llenas ratificando el éxito de taquilla.

Cuando entré al cine, lo primero que me llamó la atención fue que prácticamente no habían niños. A diferencia de otras películas animadas, Up no sólo ha logrado seducir al público adulto , sino también conmoverlos hasta las lágrimas.

A través de las primeras escenas conocemos la historia de Carl Fredricksen, un niño que sueña en convertirse en explorador, pero que termina convertido en viejito cascarrabias, viudo y con un gran sueño pendiente. En medio del ajetreo de la gran urbe, Fredricksen es obligado a internarse en un asilo de ancianos; sin embargo, el viejo tiene un plan entre manos y por ningún motivo permitirá que le arrebaten su preciada casa.

De aquí en adelante la imaginación, el sentido del humor y la reflexión sobre el sentido de la vida, se cruzan en una hermosa aventura. Los creativos de Pixar tomaron una idea universal. Quién no soñó con salir volando agarrado de un montón de globos. La idea es tan antigua como hermosa, un sueño infantil llevado a la gran pantalla.

Sin lugar a dudas la magia de esta película radica en la relación que establecen los protagonistas. Por un lado el viejo Fredricksen, un hombre solitario y mal humorado que se aferra con uñas y dientes al recuerdo de su esposa fallecida; por el otro un niño explorador, regordete y carismático, que encuentra en el anciano al amigo y protector que andaba buscando. Juntos aprenderán una gran lección y se darán cuenta que no están tan sólos. Pero como se trata de una película infantil no podían faltar los personajes cómicos y los animales parlanchines; además de altas dosis de emoción y aventura, todo lo necesario para disfrutar una entretenida tarde de película.

Definitivamente cuesta imaginar que sorpresas nos tendrán preparadas los creativos de Pixar. Por lo visto magia les queda para rato y de seguro no nos decepcionarán.

El último adios a Michael Jackson

2009-07-07T12:36:00.000-07:00

En este mismo instante Michael Jackson está siendo homenajeado por miles de personas en todo el mundo. Artistas y personas del espectáculo se han congregado en la ciudad de Los Ángeles para decir el último adiós al ídolo más importante de la música pop.

Acostumbrado a batir records, su funeral ya se ha convertido en el show más grande y multitudinario del artista, todo una ironía , ya que antes de morir Jackson estaba practicamente en la quiebra y vivía recluido en una mansión arrendada de Beverly Hills.

A pesar del duelo, el show debe continuar y es probable que las cadenas de televisión sigan estrujando el tema hasta la última gota. Así es el negocio. Los homenajes a través del orbe se sucederán uno tras otro y los herederos de Jackson se seguirán llenando los bolsillos gracias al talento del pequeño Michael.

De negro a blanco. De niño prodigio a hombre polémico y enfermizo. De líder mundial en defensa de la infancia a abusador de niños. Tal vez nunca sepamos toda la verdad y es probable que sigan apareciendo nuevas versiones que alimenten el mito de Michael Jackson; sin embargo, una cosa es segura, su legado perdurará invencible por siempre.

Bad (Michael Jackson), versión completa

2009-06-29T12:15:00.000-07:00

Por estos días de lo único que se habla es de la muerte de Michael Jackson. Su indiscutible talento y su legado artístico lo elevaron a lo más alto del olimpo de la música, por eso nadie puede quedar indiferente ante tan lamentable pérdida.

La carrera de este artista estuvo llena de grandes éxitos radiales, escándalos y excentricidades , pero también fue capaz de inventar una nueva forma de hacer música y como un gran visionario congregó a lo más granado de las artes, el baile y el cine; conformando un estilo que más tarde sería imitado por casi todos en la industria de la música pop.

Para quienes no lo hayan visto, esta es la versión completa del cortometraje "Bad", que más tarde sería editado y convertido en el video musical de la misma canción. Dirigido por Martin Scorsese y protagonizado por Michael Jackson, cuenta con la participación especial de Wesley Snipes.

All Inclusive (Todo Incluído)

2009-06-24T14:37:00.000-07:00

El cine chileno hace noticia por estos días. "All Inclusive", la segunda película de Rodrigo Ortúzar Lynch, será la primera película nacional en ser distribuida por los Estudios Universal y se estrenará con 250 copias el próximo 10 de julio en Ciudad de México.

Para quienes no conocen a este cineasta, hay que recordar que hizo su debut en el año 2004 con la regular cinta "Mujeres Infieles", película sobre los tabúes sexuales y el doble estándar en la vida de pareja de los chilenos.

Con una trayectoria basada en spots publicitarios y cortometrajes, Ortúzar llega esta vez con una historia que habla de la búsqueda de la felicidad, la tolerancia y el amor contenido dentro de una familia.

Hay que destacar la participación de un nutrido elenco de actores latinoamericanos y europeos, entre ellos Leonor Varela, Valentina Vargas, Mónica Cruz (hermana de Penélope Cruz) y Edgar Vivar.

Aquí les dejo el trailer, espero que lo disfruten

Brüno

2009-06-17T21:43:00.000-07:00

En 2006 nos presentó la historia de Borat, un particular periodista de Kasajastán que recorre Estados Unidos haciendo de las suyas. Ahora Sacha Baron Cohen, vuelve a la carga con su nuevo personaje, Brüno.

Para todos los fanáticos de este desvergonzado, hilarante y "genial" comediante, les dejo este divertido trailer.

Freaks (1932)

2009-06-16T15:45:00.000-07:00

Hemos vuelto para hablar de cine y lo haremos a través de esta extraña, pero inolvidable película. En 1932, el director norteamericano Tod Brownin - quien ya cosechaba buenos resultados con Drácula- decide filmar Freaks, una adaptación del cuento del cuento de Tod Robbins "Espuelas" ("Spurs").

En su estreno, la película causó fuertes repercusiones en el público debido a las imágenes de personas con deformidades reales, lo que incluso provocó que los directivos de la MGM trataran de evitar que algo "tan horrible" se exhibiera.

Sin embargo, a pesar de los esfuerzos por sacarla de las salas de cine, la película es considerada una pieza de culto gracias a su temática transgresora (aún en estos días) y su especial tratamiento de una verdad incómoda.

La historia transcurre dentro de un circo, donde uno de los enanos se enamora perdidamente de una hermosa y ambiciosa trapecista, que al enterarse de su gran fortuna decide casarse con él. Pero todo es parte de un malévolo plan que derivará en la más grotesca venganza.

Sin ser de mal gusto, Freaks nos muestra el mundo cotidiano de un grupo de personas "diferentes" que viven bajo un código de lealtad que les permite defenderse de las agresiones del mundo. La película explica a través de un texto inicial parte de la trama y en cierta forma justifica lo que viene.

Ciertamente, la idea de la película no es mostrar a un montón de personas con mal formaciones físicas, tal como se acostumbraba en la época, sino utilizar las deformidades de los personajes para mostrar cuan deformes y desalmados pueden llegar a ser aquellos considerados normales.

Catalogada dentro del género de horror (erróneamente para mi gusto), Freaks es capaz de generar en el espectador múltiples sensaciones que van desde el rechazo al morbo, o de la empatía a la compasión.

Desempolvada del baúl de los recuerdos "Freaks"es clásico recomendable para aquellas personas que son capaces de ver más allá y que no han perdido la capacidad de sorprenderse.

Watchmen

2009-03-09T08:03:00.000-07:00

Publicada entre 1986 y 87, fue calificada como una de las obras gráficas más importantes de todos los tiempos. Watchmen es la historia de un grupo de superhéroes que lucha por la justicia en una realidad alterna, en donde todos los hechos que conocemos como ciertos han sido distorcionados.

La película comienza al son de “The Times They Are A-Changin’” de Bob Dylan, lo mejor de la película para mi gusto. Destaca la fotografía y el uso del color, pues cada cuadro es una viñeta donde es posible ver a los personajes en algunos momentos de su pasado.

En general Watchmen funciona a pesar su duración: dos horas y cuarenta y tres minutos. Lamentablemente Zack Snyder, y lo demostró en 300, no es capaz de mantener a una audiencia cautiva durante todo ese tiempo. Si la comparamos con Batman El Caballero de la Noche ( dos horas y veinte minutos) podemos ver que la extensión no es una excusa. Snyder desaprovecha momentos preciosos, corta la tensión y no desarrolla a sus personajes. Tres elementos fundamentales en una buena película.

Llevar Watchmen a la pantalla grande era un desafío enorme. La actitud de esta historia oscura y compleja la hacen un producto de nicho, a pesar de la temática basada en superhéroes. Cada uno de los protagonistas carga con una serie atributos físicos y sicológicos que los hacen únicos. Es lo que distingue a Alan Moore de otros escritores de historietas, él siempre busca plasmar aquellos conflictos existenciales que lo aquejan a través de sus personajes, lo que no está reflejado en la película. La excepción a la regla es Jackie Earle Haley quien encarna a Rorschach, lejos el punto más alto de la cinta. Su voz y la intención en su interpretación dieron vida a un personaje memorable que se lleva por sí solo el peso dramático de la cinta, en contraste con el resto del elenco.

En fin, una película que dejará conforme a algunos -los menos exigentes- pero que sin duda, quedará en deuda con los amantes del buen cine.

La concejala antropófaga

2009-03-04T12:01:00.000-08:00

Un monólogo sin pelos en la lengua. Casi ocho minutos de erotismo absurdo en un monólogo incitante a cargo de la española Carmen Machi. Almodóvar vuelve a sus orígenes a través de una pieza llena de color e ironía, reminiscencia de los tiempos de "Pepi Luci Boom" y "Mujeres al borde de un ataque de nervios".

Underworld 3

2009-03-04T07:53:00.000-08:00

Para el 20 de marzo se espera el estreno de la tercera parte de esta saga de ciencia ficción, donde podremos conocer algunos secretos de la guerra entre vampiros y hombres lobos. Underworld "La rebelión de los Licántropos" es una alternativa para los amantes del género.

Slumdog Millionaire

2009-03-02T14:58:00.000-08:00

Cómo explicar una sensación cuando no encuentras las palabras adecuadas. Cómo admirar el talento humano cuando parece divino. Cómo llevar a ustedes aquello que vi y que todavía recuerdo.

Slumdog Millionaire es una estrella que brilla sola en el firmamento y como todas las estrellas debe ser vista desde lejos. En su centro está Jamal -"el chico del té"-, cuyo destino es competir en el programa más visto de la India. Las preguntas: la escusa para contar una de las mejores historias de los últimos tiempos.

Danny Boyle es sin lugar a dudas uno de los mejores "cuentistas" del cine actual. Su talento desbordante es capaz de mostrar la realidad humana con una sensibilidad exquisita, sin caer en el cliché ni en las descalificaciones moralistas tan propias del cine primer mundista.

Puede ser que Slumdog Millionaire no sea un descubrimiento cinematográfico, ni tampoco la mejor película de este director británico, tampoco lo pienso. Pero una cosa es cierta: es honesta.

Algunos críticos han dicho que no se merecía los ocho premios Oscar, que ha sido un invento, una mentira. Yo les digo a ellos que entre tanta basura, han perdido su capacidad de asombro, ya no valoran la belleza que es capaz de manifestarse incluso solapada entre la pobreza y la desesperanza.

Slumdog es un recorrido vertiginoso a través de la India pobre y miserable. La saturación del color de sus planos hiperquinéticos guían el ojo del espectador por un viaje que exalta los sentidos. El montaje impecable, nos hace sentir la sensación y el nerviosismo del concursante que evoca de tiempo en tiempo sus aventuras infantiles para explicar por qué sabe todas las respuestas. Una historia al ritmo de los latidos del corazón de una audiencia comprometida con el destino de un hombre que lucha por vivir su sueño.

Watchmen

2009-02-26T11:42:00.000-08:00

Inspirada en el comic de Alan Moore -DC Comic, 1986- llega esta adapación al cine de la mano de Zack Snyder, el director de 300 y el El Amanecer de los Muertos.

En 1985 - en una realidad paralela- EEUU y la URSS están a punto de entrar en la guerra nuclear, mientras un grupo de super héroes del pasado y presente investigan el asesinato de uno de ellos.

Lo llamativo de esta historia son sus protagonistas, que lejos de los estereotipos, se debaten entre el bien y el mal producto de sus dilemas morales. Visualmente impactante, Watchmen (Los vigilantes) promete ser uno de los grandes estrenos de este año. Una visión apocalíptica a todo color en donde los buenos y los malos no son ni tan buenos ni tan malos.

Ahora los dejo con este excelente trailer y a Muse como telón de fondo

Pesadilla tendrá remake

2009-02-23T12:50:00.000-08:00

Continúa la fiebre por los remakes. Ahora es el turno de Pesadilla en la Calle Elm (Nightmare on Elm Street) a cargo de la dupla más taquillera y comercial de Hollywood, Michael Bay y Marcus Nispel.

Aún son rumores, pero con el éxito de Viernes 13 en las salas de cine es más que seguro que se concrete. Primero se había hablado de una precuela, pero luego se desechó la idea y se optó por el remake.

Otro rumor es que Lindsay Lohan, la problemática actriz de Harbey a toda Máquina, sería la nueva protagonista (Nancy), pero aún debe confirmarse.

Lo que si es seguro es la segunda parte de Halloween que lleva por titulo H2. La nueva película a cargo de Rob Zombie pretende alejarse de la saga original, configurando una historia paralela a la de los 80.

Así es amigos. La industria del cine nos sigue asombrando con su falta de creatividad, pero hay que reconocerlo, nos entretenemos igual.

S. Darko

2009-02-23T06:31:00.000-08:00

Primero la crisis económica y ahora la crisis creativa se instala en Hollywood. La cinta de culto Donnie Darko, la misma que en su estreno en fue opacada, menospreciada, y dejada de lado, ahora quiere ser convertida en un fenómeno comercial para capturar la atención de adolescentes con problemas existenciales.

En 2001 Richard Kelly dio origen a una de las cintas más enigmáticas del siglo XXI. Donnie Darko (Jake Gyllenhaal) es un adolescente aproblemado que deambula por las calles de una pequeña ciudad por culpa de sus alucinaciones, hasta que su vida gira en 180° cuando el motor de una avión cae justo sobre su habitación durante uno de sus paseos nocturnos.

Lanzada sólo en DVD, se ganó el aprecio de los cinéfilos quienes vieron ahí una cuota de talento. Su argumento intrincado y existencialista sedujo a millones de personas en el mundo. Ambientada en 1988, su banda sonora es sólida por donde se le mire y cuenta con éxitos radiales del recuerdo como Under the Milky Way de The Church, Killing Moon de The Echo and The Bunnyman y Mad World en una desgarradora versión de Gary Jules.

Ahora, 8 años después y en contra de la voluntad de su director, un elenco inexperto vuelve con una segunda versión de la historia. Esta vez la hermana menor de Donnie es la encargada de salvar el mundo.

¿Qué sucederá con este subproducto de la industria hollywoodense? nadie puede saberlo todavía. Yo tengo algunas ideas, pero es mejor no adelantarse a los hechos, al menos esperemos hasta abril, cuando salga la película.

Entre vivos y muertos

2009-02-22T12:45:00.000-08:00

Una madre enferma, un hijo esquizofrénico y un padre parco y frío. Tres personajes grises que viven en una casona infinita donde sólo comparten el aire que respiran y cuya rutina es capaz de enfermar hasta al más resistente de los espectadores. A mí me dejó hastiado, con una sensación horrible en el estómago. Una historia traumática, que roza el melodrama.

La madre, siempre sufriente, me recordó un poco a Gritos y Susurros de Ingmar Bergman. Tal vez un guiño al gran maestro, pero la verdad que la cosa no va por ahí. Debo decir de antemano que esta película no me gustó. Me pongo el parche antes de la herida para no caer en un ensañamiento innecesario.

Durante su desarrollo podemos ver a estos tres personajes perseguidos por la fatalidad, hebras retorcidas cuyo destino se augura trágico desde un principio. El hijo imbécil, personaje abominable, en un principio acapara la atención y su aura de inocencia genera cierta compasión, sin embargo, sus bajos instintos y sus actos irresponsables lo transforman en el antagonista de la historia.

Larga y falta de ritmo. El tratamiento realista se rompe con la alteración del tiempo en las secuencias del hijo corriendo por las escaleras. Un recurso innecesario y antojadizo. Al parecer, después de Requiem por un Sueño, cosas de este tipo no se justifican si no se tiene el talento necesario.

No quiero contarles el final, hay que verlo, pero les advierto, tenga una bolsa o balde muy cerca para no manchar la alfombra.

Viernes 13

2009-02-16T14:48:00.000-08:00

Cumplió con las expectativas. El remake de Viernes 13 tiene todo lo que se podría esperar. Evocaciones a las anteriores partes de la saga, guiños característicos de la película original y lo más importante, asesinatos, muchos asesinatos.

Jason Voorhees esta vez asume el control de la historia desde el primer momento. Atrás quedaron los tiempos en que la señora Voorhees era la asesina, vuelco magistral a cargo de Sean S. Cunninghan- quien nunca quiso que Jason fuera el asesino- ahora el niño mimado del cine de horror agarra el machete por el mango y comienza a cortar cabezas desde los primeros minutos.

La nueva versión de este clásico de horror cayó a manos de Marcus Nispel, el mismo de La Gran Masacre en Texas, que junto a Michel Bay nos traen una propuesta efectiva y mejorada de la clásica ochentera. Una cinta acorde con los tiempos actuales en donde nadie tiene tiempo para nada.

Lo más notable de esta película es que recoge la esencia de las primeras tres entregas de la saga. En ellas Jason no tenía el aura de zombie que adquiere luego de la sexta parte. En esta nueva película podemos ver a un asesino en serie que da miedo y también descubrimos por qué siempre está un paso antes que las víctimas a pesar de que nunca corre. (siempre me hacía esa pregunta cuando niño).

En general es una película redonda. No decepcionará a los fanáticos y también cautivará a un público joven, amante del cine de horror. Además y siguiendo con la tradición de Viernes 13 queda abierta la puerta para una secuela, no sería raro tener noticias el próximo año.

Vincent

2008-12-12T20:11:00.000-08:00

"Vincent Maloy tiene 7 años de edad. Siempre cortés, siempre obediente. Con ternura y respeto... lo que le pidas hará, pero sueña con ser todo un Vincent Price." Así comienza el cortometraje de Tim Burton y Rick Heinrichs (1982). La historia de un niño muy particular, que no quiere salir a jugar ni tampoco cantar cuyo único sueño es convertirse en Vincent Price.

Utilizando la técnica del stop motion -desarrollada en películas como "El extraño mundo de Jack (Night before Christmas) y el Cadáver de la novia ( Corpse Bride)-Burton da vida a uno de sus más excéntricos personajes. Al igual que este pequeño niño, el director también estuvo obsesionado con el octogenario actor, famoso por aparecer en películas de terror de bajo presupuesto.

Estos son los inicios de un grande del cine. Su estilo único en cinco minutos.

Sugus y Brandy

2008-12-12T20:00:00.001-08:00

Hace un tiempo una amiga me recomendó este corto y ahora yo se los recomiendo a ustedes. Como en una tragedia griega, en donde el destino irrevocable tarde o temprano se sale con la suya, todos nacemos predestinados a sufrir por amor. Una visión particular y sensible de uno de los momentos más bellos y terribles de la vida: el desamor.

La edad de la ignorancia

2008-12-08T07:00:00.000-08:00

Naces, creces, te reproduces y mueres. Así es el ciclo de la vida, al menos eso me enseñaron en el colegio. Para ser feliz estudias una profesión, buscas una pareja, tienes hijos, los educas, te jubilas y luego te mueres. Si tienes suerte la muerte puede llegar de golpe, en tu cama, en el sueño; pero si no, puede que el cáncer te devore hasta los huesos. Cuando la vida ya no es más un sueño y el sueño se confunde con ella. Cuando lo material no te satisface y tus creencias se van por la borda. Cuando te despiertas estrepitosamente y te encuentras sumido en una pesadilla terrible y trágica, a la que algunos llaman vida, puede que sea el comienzo de algo nuevo y mejor.

Jean-Marc Le Blanc (Marc Labrèche) es un tipo corriente de unos cuarenta y tantos. Trabaja para el gobierno y pasa sentado la mitad del día escuchando los problemas de la gente sin poder les entregar ninguna solución sensata. Su vida personal es un desastre y su único consuelo está dentro de su mente.

Para quien este sufriendo la crisis de la mediana edad puede ser que esta película refleje de buena manera aquella sensación de miseria de los sueños incumplidos. Sin embargo, para quienes nos empinamos recién sobre los 20, nos toca de manera distinta, pero nos remece de igual manera.

Esta historia de fantasía y realidad llega de la mano del exitoso director canadiense Denys Arcand, responsable de la premiada Invasiones Bárbaras. Si de comparaciones se trata , La edad de la ignorancia (tal vez una alusión a La edad de la inocencia de Edith Wharton) se parece mucho a la controvertida Belleza Americana (1999). Podemos ver que los protagonistas son dos tipos de mediana edad, aburridos de su vida, que fantasean con mujeres jóvenes y que tienen una deplorable vida marital; además ambas esposas trabajan como corredoras de propiedades y están obsesionadas con el triunfo profesional.

La película está llena de elementos interesantes. Las interpretaciones son excelentes. Basta con mencionar la protagónica, que logra transmitir a través de la pantalla la sensación de tristeza y agobio. El resto no lo hace mal. La mujer obsesionada con llegar a la cima, deambula por la casa con ese infartante aparatito llamado bluetooth colgado de la oreja , mientras sus hijas viven en una burbuja saturada de video juegos, ipods y comodidades, pero sin el más mínimo estímulo afectivo.

Nos movemos por una infinidad de escenas ridículas, en donde no podemos dejar de preguntarnos hasta dónde es capaz de llegar el ser humano en busca de ese anhelado orden social, esa quimera absurda de la felicidad empaquetada. Una sociedad al parecer perfecta, ordenada, primer mundista; nos muestra la miseria más grade que puede existir, la miseria del alma y la falta de sentido.

Sumido en una catarsis, el protagonista comienza una búsqueda que parece llegar a su fin con la muerte de su madre. La travesía kármica desemboca en el mar, cuyas olas mecen sus sueños y terminan con las fantasías que lo acompañaron por tanto tiempo. Un final abierto que nos deja con la respiración contenida, pero que deja una ventana abierta para que algo nuevo y mejor pueda comenzar.

Los Cronocrímenes

2008-12-06T14:36:00.000-08:00

Como una madeja de hilo que se va enredando, y por más que te esfuerzas, más se enreda. Así, sumido en una red, en un laberinto sin salida, la vida de un tipo común y corriente se transforma en una pesadilla que parece no acabar.

Ya les había hablado de Nacho Vigalondo, si, el mismo tipo que baila, salta y canta en 7:35 de la mañana. El mismo que ahora nos deslumbra con un largo digno de alabanzas. No quiero ser zalamero, pero es que este tipo se lo merece.

Los Cronocrímenes es la primera película de Vigalondo. La historia parte en un tranquilo y exclusivo arrabal de España. Ahí un tipo cincuentón y de aspecto corriente que vive junto a su mujer, se ve implicado en un crimen por causa de su curiosidad. Este es el punto de partida de un viaje -al parecer- sin retorno.

En los aspectos técnicos, la película es impecable. El montaje es adecuado y dinámico teniendo en cuenta lo complejo de la trama. No hay un gran despliegue fotográfico a diferencia de otras producciones hispanas ( El Orfanato, 3 Días), pero realmente no se hecha de menos.

El fuerte de esta película, lo que la hace distinta a otras del género fantástico, es su argumento. Excelente, intrigante, motivador, atractivo y fulminante. Es un reto para espectadores curiosos y asiduos a los desafíos. Es un rompecabezas al que le faltan piezas. Una clara muestra de ingenio que nos dejará pensando por un buen rato.

Las interpretaciones principales a cargo de Nacho Vigalondo y Karra Elejalde son acertadas. Sobre toda la de este último. La figura espigada y el talle ordinario de un hombre entrado a los cincuenta rompe el clásico esquema holliwoodense del protagonista arquetípico.

A pesar de que la película se estrenó en España en 2006, recién está siendo difundida a otros países. Un gran estreno atemporáneo que no dejará de sorprender.

Oreja (2002)

2008-12-03T20:09:00.000-08:00

Todo por una oreja. Con esta premisa la debutante Claudia Menéndez abre la serie de cortos de la Escuela de Cine de Chile editado bajo el nombre de Fragmentos Urbanos (2002). Tres jóvenes en un bar, un ataque de celos y una oreja; son los ingredientes que convergen en esta particular historia cargada de elementos bizarros y música jazz. Para asquearse de la risa.

7:35 de la mañana

2008-12-03T19:18:00.000-08:00

Excentricidad, ironía y romanticismo. Faltan calificativos para referirnos a la pieza cinematográfica que catapultó a Nacho Vigalondo a la fama mundial. Actor, director y cantante; a este español le sobran méritos para ser considerado uno de los directores más prometedores de su generación.

Su cortometraje 7:35 de la mañana capturó la atención especializada y fue nominado al oscar en 2004. Ahora vuelca todos sus esfuerzos en nuevas y exitosas producciones tales como "Los Cronicrímenes", thriller de ciencia ficción galardonado internacionalmente en numerosos festivales.

Ahora los dejo con un imperdible que de seguro los dejará pidiendo más.

Indiana Jones y el reino de la calabera de cristal

2008-11-25T20:08:00.000-08:00

Dicen que todo tiempo pasado fue mejor y esta no es la excepción. Ya pasaron más de 20 años desde el estreno de "Indiana Jones en busca del arca perdida", la primera entrega de la multimillonaria y taquillera saga de los dos alquimistas del cine norteamericano, George Lucas y Steven Spielberg, quienes vuelven para resucitar a uno de sus más recordados personajes.

Sin embargo, el tiempo pasa y nos vamos volviendo viejos. Harrison Ford ya no es el hombre atlético de antaño y sus piruetas ahora se ven bastante trabajosas y hasta increíbles. Pero ese no es el punto. La película no es una propuesta en ningún aspecto. Puede dejar conforme a los fanáticos, quienes esperaron años para ver la nueva aventura del legendario arqueólogo, pero tal vez resulte decepcionante para los nuevos cinéfilos que no conocieron al misterioso cavador de tumbas de látigo y sombrero.

La película entretiene. La actuación del joven Shia La Beouf (el hijo de Indi) deja en claro su incipiente talento, el ya demostró en Paranoia y Los Trasnformers. Pero la historia no tiene elementos interesantes. El guión no sorprende, no engancha, está lleno de imprecisiones y deja en claro que Latinoamérica es sólo un pueblo al sur de Estados Unidos. Imagínense que Pancho Villa le enseñó a hablar Quechua a Indiana y que en Perú se escuchan rancheras (jajaja, perdonen, pero no lo puedo evitar). Realmente la ignorancia yanqui no tiene límites. Por último, el personaje de Kate Blanchet es opaco, amachado y desagradable y no le permite hacer gala de su gran talento y de su exuberante belleza.

Luego de unos cuantos balazos y peleas inverosímiles la historia desemboca en un final que me recordó a la segunda parte de la Momia y las malísimas Tomb Rider. Los efectos digitales hace mucho por esta película que carece de todo aquello que nos entregó Spielberg en los 80.

El incidente

2008-11-17T20:32:00.000-08:00

Parece que a M. Night Shyamalan se le están acabando las ideas. El mismo director de origen indio que en 1999 deslumbró al mundo con uno de los finales más inteligentes del cine ahora llega con su última producción, una película pobre, aburrida, predecible y grandilocuente.

Usando un tono apocalíptico que raya en el cliche, Shyamalan cuenta la historia de un desastre natural inexplicable que pone en riesgo a la raza humana (particularmente a los norteamericanos). La película parte bien, engancha. Las primeras escenas en el parque dan a entender que algo tremendo se aproxima, pero no... todo se derrumba lentamente a través de un relato lento y forzado.

Uno de los puntos más bajos de la cinta es el reparto. Si bien Mark Wahlberg ha logrado una que otra interpretación destacable, definitivamente esta no es una de ellas. Acá aparece como un profesor amable, educado y de modales refinados, muy alejado a aquellos personajes rudos que acostumbra a interpretar. Usando falsete trata de conectarse con la emotividad del personaje, pero no lo logra ni por un instante.

El incidente es diferente a las otras películas del director indio. Acá no utiliza negros para dividir las escenas (tan bien utilizados en "Sexto sentido"), ni tampoco hay vuelta de tuerca al final, aunque mantiene el estilo narrativo que lo ha caracterizado a través de su carrera.

Finalmente, estamos en presencia de una cinta carente de tensión (ni dramática y ni narrativa, ni visual), poco creíble y hasta ridícula. Una historia digna de un principiante y no de un tipo que tiene casi 10 películas en el cuerpo y que además estuvo a punto de ganar el oscar. Mejor suerte para la próxima.

Rebobine por favor

2008-11-15T14:35:00.000-08:00

Con tanta basura cinematográfica y comercial nos hemos olvidado de cuan poderoso y emocionante es el cine. Las películas son más que diversión; también pueden convertirse en recuerdos y formar parte de nuestra vida e historia. Lo raro es cuando una película, que en un comienzo parece ser ridícula y sin sentido, se transforma en una idea tan genial como absurda.

Dos tipos corrientes interpretados por Jack Black y Mos Def deciden filmar nuevamente cada una de las películas que hay un viejo video club. La alocada idea cobra sentido cuando los residentes del barrio quieren participar en ellas.

Rebobine por favor es un homenaje al cine, la mirada romántica de un francés hacia la "fábrica de sueños" norteamericana. En ella podrán disfrutar de las escenas más entrañables del celuloide y reírse a carcajadas con las excentricidades del gordo más simpático del cine gringo. Una película de Michel Gondry (Eterno resplandor de una mente sin recuerdos) para aquellos que perdieron la fe en el cine, pero están dispuestos a recobrarla.

La isla de las flores

2008-11-13T10:13:00.000-08:00

Imagina que un extraterrestre llega a la tierra y tienes que explicarle en 13 minutos como funciona el mundo. Probablemente no sabrías por donde empezar, así que te propongo que le muestres "La isla de las flores", un cortometraje de 13 minutos que relata el recorrido de un tomate.

En 1989 el brasileño Jorge Furtado dejó a medio mundo con la boca abierta. En tiempos de grandes cambios puso en el tapete de manera magistral las injusticias del mundo capitalista, del consumo y la miseria que éste conlleva. No se trata de una pieza moralista o resentida, sino de una obra prima que sienta bases de lo que podríamos llamar propaganda cinematográfica. Tal vez suene confuso y hasta aventurado, pero lo que hace Furtado es trabajar bajo un concepto. Para ello utiliza la reiteración hasta el cansancio, como si le estuviera hablando a niños tarados y finalmente da muestras de un ingenio fuera de los límites para torcer una historia que parecía ser una hilarante comedia.

Bajo esta premisa les presento uno de los mejores cortometrajes que he visto y que sin duda disfrutaran tanto como yo lo hice.

Tres Días

2008-11-03T17:32:00.000-08:00

¿Qué hace que un hombre luche por proteger la vida de unos niños cuando la humanidad está a condenada a desaparecer? ¿Cuál es el verdadero sentido de la existencia? ¿Qué harías si te quedaran sólo tres días de vida? Estas son sólo algunas de las preguntas que plantea "3 días," cinta española de ciencia ficción estrenada a comienzos de año.

No es española. Esa parece ser la premisa del primer largometraje de Jaime Gutiérrez, un abogado de profesión que optó por dedicarse al cine. Una producción ibérica que no tiene nada que envidiarle a las grandes producciones norteamericanas. Un thriller trágico, cargado de suspenso, cuyo telón de fondo es el armagedón.

Al contrario de lo que podría pensarse, la historia no ronda en torno al fin del mundo sino a las personas. Elemento interesante y para mi gusto bastante innovador. La solvencia de las interpretaciones aporta una tensión constante que se ve mermada solamente cuando el relato se ralentisa debido al exceso de elementos visuales y fotográficos. Esto ocurre sobre todo en la mitad de la película donde el relato pierde fuerza y se torna un tanto tedioso.

A pesar de lo anterior, durante el descenlace la historia retoma su rumbo inicial y la curva es ascendente. Un buen final, pero con sabor amargo.

Rec VS Quarantine

2008-10-31T18:56:00.000-07:00

Toda mi vida he visto películas subtituladas. Es una costumbre tan grande que los coloco en la pantalla aún cuando comprenda el idioma. A los gringos les pasa lo mismo, pero al revés. No pueden ver una película subtitulada ni a cañones. Para solucionar el problema inventaron una fórmula mágica y muy "económica": hacer las películas de nuevo, calcadas al original, cambiando a los protagonistas y las locaciones.

La última víctima de las garras de Hollywood, o debo decir, la última favorecida por la industria norteamericana es la estupenda "Rec", película española co-dirigida por Jaume Balagueró (La secta de los sin nombre) y Paco Plaza.

Todo un fenómeno resultó ser esta modesta producción luego de su estreno en 2007. Tras la exitosa aparición de "El Orfanato" de Juan Antonio Bayona en septiembre del mismo año se estrena esta fabulosa película de suspenso y horror que deja muy en alto al cine hispano.

Haciendo gala de conocer bien el género, Balagueró y Plaza configuran una historia dinámica y envolvente que se desarrolla vertiginosamente desde el comienzo. Su estética particular, lograda por el uso de la cámara en mano, le da a esta película una atmósfera de reality. Aquí el espectador pasa a ser protagonista. Se transforma en testigo y cómplice de la historia. Una dosis de tensión y vértigo difícil de olvidar.

Para quienes todavía no la hayan visto un consejo: diríjanse al video club más cercano y arriéndela. Siéntese en su sillón favorito y prepárese para disfrutar de una de las mejores películas de horror hechas en el último tiempo. Mejor aún, prepárese para disfrutar de una de las mejores películas de horror hechas en nuestro idioma, antes de que otro bodrio norteamericano borre del imaginario colectivo los méritos de una gran película.

Estos son los trailers, vean y comparen.

Insanitarium

2008-10-31T17:26:00.000-07:00

Cuantas veces hemos visto buenas historias convertirse en malas películas. Cuantas veces tendremos que aceptar que buenos guiones terminen convertidos en productos de mala calidad, efectistas y sin el más mínimo sentido estético.

Una cosa es homenajear a los grandes clásicos e introducir variantes en un género tan complicado como es el horror, pero otra cosa es copiar y copiar mal. Quienes hayan visto Insanitarium de Jeff Buhler se habrán dado cuenta de su obstinado y absurdo intento por imitar al pie de la letra secuencias de la película "28 días después", añadiéndoles "extra ketchup" y así darle ese toque de gore propio del género.

Una vez más vemos como un director carente de imaginación es capaz de reproducir palmo a palmo escenas completas e incluir en la banda sonora temas que remiten claramente a otras películas, lo que junto con ser de mal gusto es impresentable. (fíjense en la escena final, cuando los protagonistas huyen de los enfermos psiquiátricos.)

Insanitarium es una película predecible. Si bien uno no espera que se produzcan grandes sorpresas en un guión tan obvio, si se espera que se trabaje bien con los elementos que se tienen a disposición. Primero, el casting es malo. Un chico bonito, musculoso (Jesse Metcalfe) intenta hacerse pasar por loco para poder ver a su hermana que se encuentra internada en un hospital psiquiátrico. Definitivamente uno de los puntos más bajos. Su interpretación es pobre, no convence ni al más inexperto espectador.

Segundo, la historia se desenvuelve de forma tediosa. No hay quiebre, ni sobresaltos en la trama. El típico científico loco (en este caso un psiquiatra) que experimenta con sus pacientes y estos finalmente terminan convertidos en seres sedientos de sangre y venganza. Del suspenso, ni hablar.

Por último, quiero rescatar lo positivo: es corta. Tan sólo dura 89 minutos. Recomendable para principiantes.

Crepúsculo (Twilight)

2008-10-29T16:22:00.000-07:00

Si te gustan los vampiros ya habrás leído Crepúsculo de Stephenie Meyer (Twilight), sino, no te preocupes porque para el mes de diciembre podrás verla en la pantalla grande. Para quienes nunca hayan oído hablar de esta novela, les cuento que se trata de un superventas editado en 2005. Cuenta la historia de un vampiro que se rehusa a beber sangre humana y que se enamora de una bella joven. Es una historia simple, pero efectiva que apunta a cautivar sobre todo al público adolescente. Como de costumbre te invitamos a ver el trailer.

Remake de Viernes 13

2008-10-29T15:55:00.000-07:00

Para febrero de 2009 está fijado el estreno de la nueva versión del clásico de los 80 Viernes 13. El proyecto fue producido por Michael Bay quien ya estuvo a cargo del remake de Texas Chainsaw Massacre. Por lo que se puede apreciar en el teaser, la trama original no varía mucho, sin embargo, hay que decir aclarar que la aparición de Jason Voorhees no se produjo sino hasta la segunda película y la famosa máscara de Jockey no aparece sino hasta la tercera. Claramente los productores prefirieron obviar estos elementos para asegurar el éxito comercial de la cinta. Esperemos que con las nuevas técnicas y efectos especiales nos entreguen una buena dosis de suspenso y horror.

Como adelanto les dejo el trailer de la película, disfruten.

El cine de terror

2008-10-28T19:57:00.000-07:00

Desde los comienzos del cine el terror acaparó el interés de la audiencia y de los directores. Los monstruos de la literatura universal fueron inmortalizados en la gran pantalla. Estrellas de la talla de Béla Lugosi y Boris Karloff dieron vida a personajes clásicos como el conde Drácula y Frankenstein.

Con el correr del tiempo aparecen nuevos personajes y las tramas - en un comienzo simplonas y ridículas- se vuelven más complejas y sofisticadas. La excepción a la regla fue Edward Wood, un peculiar realizador recordado como el peor director de todos los tiempos, sin embargo, su legado inspiró a grandes realizadores del género. En este periodo surgen importantes personalidades como Vincent Price cuyos roles han sido elevados a la categoría de inmortales ( "La Casa de Cera", Cuentos de Edgard Allan Poe)

En la década de los 60 aparece un atípico neoyorkino que hace una cruda crítica social utilizando ni más ni menos que muertos vivientes. Así fue como en 1968 George Romero estrena "La noche de los muertos vivos", el primer capítulo de la recordada saga de zombies que da origen a este subgénero del cine de horror. Debido a la censura de la época, la versión original fue rodada en blanco y negro para disimular el color rojo de la sangre y las vísceras.

Paralelamente, al otro lado del atlántico, en la bota italiana, nace una camada de directores con ideas revolucionarias para el género. Mario Bava, Lucio Fulci y Dario Argento, pusieron el terror en lo más alto. En sus películas fueron capaces de mezclar el arte con la violencia y obtuvieron un resultado estupendo. Puede parecer morboso, pero quienes hayan visto "Suspiria" u "Ópera" sabrán de lo que estoy hablando. Slasher, planos detalle, zoom, corazones latiendo, ojos y agujas, sumado a la música de Iron Maiden y Morricone, en fin... Insuperable.

En los 70 la cosa se tranquiliza, pero sólo por un rato. Es momento de que el mundo enfrente uno de sus temores más grandes. En 1973 una niña de 12 años demostró que podía ser más aterradora que cualquier maniático con máscara y cuchillo. "El Exorcista" de William Friedkin se transformó en una de las cintas más terroríficas de todos los tiempos y cambió definitivamente lo que se entendía como horror en el entretenimiento. Friedkin utiliza la religión y la superstición para construir un guión sólido y convincente que manipula y tuerce el imaginario colectivo. Induce el terror hasta lo más profundo del ser. Algo que no se había visto hasta ese momento.

Cintas como "La profecía" (The Omen) o "Amytville" siguieron la senda marcada por El exorcista y nos dieron más de un buen susto. En los 80 fue el turno de los enmascarados. Cintas como Halloween y Viernes 13 lograron revivir un alicaído mercado y transformaron al cine de terror en un fenómeno pop. Directores como John Carpenter crearon una fórmula llena de adolescentes, sexo y asesinatos en serie; todo lo necesario para cautivar a un público novel e inexperto. Pero esto no partió así. Recordemos que en 1974, Tobe Hooper rueda Texas Chainsaw Massacre, un slasher cargado de suspenso, locura y algunas de las escenas más grotescas que se tenga memoria. Este clásico ha inspirado varias de las cintas del rockero y director de cine Rob Zombie, pero con magros resultados.

A estas alturas el terror lo ha invadido todo, pero aún nos queda algo. Uno, dos, cierra la puerta; tres, cuatro, coge un crucifijo; cinco, seis, mantente despierto; siete, ocho, nunca dormirás... Lo recuerdan: sombrero viejo, chaleco rojo a rayas, cara quemada y un guante con navajas. Ya saben de quien estoy hablando ¿verdad? Fue en 1984 cuando Wes Craven dio vida a uno de los personajes más característicos del cine de terror actual. Frederick Charles Krueger, es el nombre completo de uno de los asesinos más famosos de la historia del cine, que aterrorizó a toda una generación.

La cosa suma sigue. Terror en los sueños, en el espacio (Alien de Ridley Scott), Payasos Asesinos del espacio exterior, muñecos diabólicos, muertos vivientes, vísceras, sangre, etc, etc, etc... Sin duda podríamos seguir hablando lo que resta del día, la noche, el mes y el año, pero tendrá que ser en otra ocasión o hasta el próximo halloween.

Los mejores videos de terror

2008-10-27T22:48:00.000-07:00

Se aproxima Halloween. Sí, esa fecha de mier... que nos impusieron los gringos, pero que nos importa. Los amantes del cine gozamos igual. Máscaras, psicópatas, brujas, en fin... todo sirve para asustarse un poco o para agarrarse bien fuerte de la chica o chico que tengas en la butaca del lado (ojala que no te den de bofetadas). Para todos ustedes fanáticos, una selección de las mejores escenas del cine de terror. Que lo disfruten, jajajajaj....

Santos

2008-10-21T16:49:00.001-07:00

Usando la misma forma de "Promedio Rojo", pero con más lucas (pasta) llega el nuevo estreno de Nicolás López. Aquí les va el trailer para que disfruten del insufrible, pero siempre impecable Guillermo Toledo.

Solos

2008-10-21T15:41:00.000-07:00

Este es un adelanto de la última película de Jorge Olguín "Solos" (Descendents)

Tony Manero

2008-09-27T11:47:00.000-07:00

Crítica por E.C.

Si pudiera definir a Tony Manero en dos palabras, éstas serían: patética y magistral. ¿Por qué? Primero, porque el personaje que interpreta Alfredo Castro es asqueroso, repugnante y fascinante y segundo, porque creo que Pablo Larraín aprendió la lección.

Hacer cine en un país como Chile es difícil. La gente prefiere ir a ver películas gringas, privilegian el entretenimiento barato y además no tienen cultura cinéfila. Ir al cine equivale a pasar encerrado dos horas en una pieza oscura, consumir pop corn y tomar coca-cola, mientras una veintena de autos se destrozan en la gran pantalla. Así es señores, contar con producciones nacionales de calidad es un lujo que no podemos pasar por alto.

Cuando fui a ver la primera película de Pablo Larraín, salí decepcionado. Claramente había una buena idea detrás, sin embargo, no la supo desarrollar- pensé-. Fuga era un experimento ambicioso y complejo para un debutante-no quiero decir que no valore el atrevimiento-, pero no llegó a buen puerto. La historia era intrincada y se desarrollaba de manera lenta y poco clara. Muchos personajes eran prescindibles y despreciables, basta mencionar a los músicos que se niegan a tocar la partitura del compositor. En fin, las cosas no salieron bien para Larraín.

Pero como en la vida, siempre hay una segunda oportunidad, sólo hay que buscarla y voilà. Pablo Larraín estrena su segunda película y gana la incondicionalidad de la crítica internacional. A propósito de esto, no puedo dejar pasar la oportunidad para decir- a los que aún no lo sepan- que en nuestro país para que una obra artística sea apreciada como se merece primero debe ser galardonada o elogiada fuera de nuestras fronteras, luego de ello nuestros excelentísimos, pero miopes críticos, periodistas y autoridades logran ver cuanto talento hay en esta larga y angosta faja de tierra, pero eso es cuento aparte.

Luego de pasar por Cannes y ser galardonada en el Festival de Cine Latinoamericano de Tokio, Tony Manero llega a nuestras salas locales. En la cinta, Alfredo Castro interpreta a un asesino psicópata obsesionado con el personaje de John Travolta en Fiebre de Sábado por la Noche.

Raúl Peralta es un cinquentón solitario y reservado. No trabaja y vive en una pensión junto a su pareja. Su pasatiempo es ir al cine a ver una y otra vez "Fiebre" mientras recita de memoria- en un pésimo inglés- los parlamentos de su ídolo. A diferencia de Fuga, Tony Manero es una historia modesta. La trama gira exclusivamente en torno al personaje de Peralta y todos quienes lo rodean ayudan a contar la historia. A diferencia de otros directores, Larraín no cayó en la tentación de colocar a actores inexpertos en los roles de reparto, por el contrario el elenco es sólido y creíble.

La película fue rodada en los barrios antiguos de Santiago (presumo que en Independencia por la cercanía con el río Mapocho). Se utilizaron casas de fachadas continuas y calles con adoquines para crear una atmósfera triste y añosa. Otro punto importante es la iluminación y el ruido añadido en la posproducción, elementos que entregan un efecto visual interesante, que potencia la sensación de volver en el tiempo.

La Película, a pesar de estar ambientada en 1978 no es una cinta política ( pues ya tenemos de sobra), sino todo lo contrario. El Régimen Militar sirve como un elemento narrativo para aumentar la sensación de agobio que inunda esta historia. El personaje de Raúl Peralta siempre está asustado, paranoico. Se mueve por las calles vacías y reacciona con temor cada vez que una sirena suena o escucha algún silbido. Los recursos sonoros -ruidos fuera de campo- aportan mucho a la hora de aumentar el temor que siente el personaje.

No hay música incidental y la banda sonora está compuesta por algunos temas de la película Fiebre de Sábado... y una que otra canción popular que el protagonista escucha durante los ensayos para su debut televisivo. La apuesta fotográfica es interesante, en consonancia con recientes producciones europeas como 4 meses, 2 semanas, 2 días, sin embargo, la iluminación en algunos momentos es bastante pobre. El relato audiovisual es claro y el montaje adecuado, aunque se hecha de menos quiebres en la temporalidad, sobre todo en el final, donde hubiese sido un elemento interesante.

A estás alturas no puedo más que recalcar que Tony Manero es una gran historia y por ende una gran película (aunque no todas las buenas historias se convierten en buenas películas). Sin embargo, y me da pena decirlo, la cinta de Larraín no se escapa de la regla de oro del cine chileno, -¿cuál es? Me refiero a los finales abruptos que dejan al espectador con un signo de interrogación del porte de un buque sobre la cabeza, pues existe una tendencia marcada en nuestros realizadores "serios" (dígase directores con contenido) en darle a sus narraciones finales abiertos y poco claros, abusando de la buena fe del público.

Un buen final es como el sabor que queda en la boca luego de paladear un buen vino, o como la estela que deja al pasar un exquisito perfume. Es un regalo, algo que se prenda y que queda en el inconciente de quien dispuesto generosamente dos horas de su vida para disfrutar un momento mágico. Por lo tanto no puede ser descuidado aludiendo siempre a una postura alternativa que más que a razón estética suena a "chiva" perezosa. Sin duda, es algo que sigue pendiente, en fin...

El Principe de Persia la pelicula

2008-09-21T12:45:00.000-07:00

Una de las franquicias de videojuegos más exitosas del mundo está a punto de llegar a la gran pantalla. Se trata de "El Príncipe de Persia, Las Arenas del Tiempo". El proyecto se encuentra en proceso de rodaje y se espera su estreno para el 2010. La interpretación del mítico personaje quedó a cargo del actor norteamericano Jake Gyllenhaal, (El día después de mañana, Donnie Darko), quien debió cambiar su apariencia física para dar con la contextura del guerrero persa.

La historia del Príncipe de Persia fue lanzada por primera vez en 1989, pero alcanzó fama mundial en 2003 gracias a los estudios canadienses Ubisof, quienes crearon una plataforma de aventuras revolucionaria que ha inspirado numerosos títulos posteriores.

La saga moderna de este juego está compuesta por tres títulos en donde se puede apreciar la evolución del personaje. El Príncipe de Persia no es sólo un gran videojuego, también es una gran historia, la que claramente llamó la atención de Jerry Bruckheimer (Pearl Harvour, CSI, Los Piratas del Caribe) uno de los productores más exitosos de Hollywood.

Las películas chilenas que debes ver

2008-09-15T16:29:00.000-07:00

Segunda parte

9- Palomita Blanca, 1973, Raúl Ruiz: De la novela homónima de Enrique Lafourcade, cuenta la historia de María, una joven de 16 años que vive su adolescencia en los albores de la Unidad Popular. A pesar de haber sido terminada en 1973 fue estrenada en Chile en 1992, debido a la censura que le impuso el régimen militar. La banda sonora está a cargo de Los Jaivas.

10- Julio comienza en julio, 1979, Silvio Caiozzi: Un ejemplo de las escasas producciones hechas durante el régimen militar. Rodada en el campo y ambientada a principios del siglo xx, cuenta la historia de Julio, un adolescente que vive el despertar sexual con una prostituta de quien luego se enamora. Para algunos es una metáfora de lo que estaba ocurriendo durante la dictadura. Un padre opresor obliga a su hijo a "hacerse hombre" para luego destruir sus ilusiones de forma cruel.

11- La luna en el espejo, 1990, Silvio Caiozzi: Película icono del llamado cine de transición. Nuevamente Caiozzi usa la metáfora para representar la opresión del régimen militar. La historia transcurre en una casa de Valparaíso donde viven don Arnaldo y su tímido hijo - El Gordo - a quien vigila a través de los espejos colocados por toda la casa. Gracias a la interpretación de Lucrecia, Gloria Münchmeyer fue galardonada como mejor actriz en el Festival de Venecia en 1990.

12- Caluga o menta, 1990, Gonzalo Justiniano: A principios de los 90 las heridas están frescas. Las voces comienzan a alzarse y los cineastas hacen suyos los espacios arrebatados. Fue el turno de Justiniano, quién con una fotografía provocativa nos cuenta una historia melosa y compleja. Refleja un Chile sin esperanzas destruido por las diferencias. Una generación de jóvenes excluidos que no encuentra el camino para salir adelante. Una muchacha de clase alta, acostumbrada a jugar con los sentimientos ajenos, se encuentra con el Nikki, un chico salvaje y mal educado que no entiende de discursos, comodidad o lujos . Dos Chiles fundidos en una película. Un retrato doloroso de una sociedad herida y fragmentada. Un relato complejo lleno de rabia y desazón.

13- La Frontera, 1991, Ricardo Larraín: Un relegado del régimen, un buzo obsesionado con el fondo del mar y una mujer dañada por el amor son sólo algunos de los habitantes de la última frontera. Un lugar mágico y olvidado entre lagos y mar. Ahí -bajo la lluvia eterna- las palmeras sobreviven en el agua mientras los hombres solos bailan al ritmo del vals. Larraín nos traslada a un lugar único, en donde la mano del opresor está presente a través de dos absurdos personajes y donde la esperanza parece haber sido desterrada. Patricio Contreras y Gloria Laso en dos papeles imperdibles.

14- Johnny 100 pesos, 1993, Gustavo Graef-Marino: Basada en hechos reales, es una crónica roja acerca de un secuestro perpetrado en el centro de Santiago en 1990. Johnny (Armando Araiza) es un joven impulsivo y desorientado que se involucra con una banda de ladrones, los que deciden asaltar un video club, pero algo sale mal, y finalmente son emboscados por la policía. Una película que rompe con los esquemas del momento e incursiona en lo que podría catalogarse como cine de género.

15- Historias de fútbol, 1997, Andrés Wood: Tres historias distintas con un punto en común: el fútbol. La pasión de multitudes no sólo llena estadios, sino también butacas de cine (al menos eso quesiéramos los amantes del cine) y lo hace de la mano de un debutante en la pantalla grande. Andrés Wood nos muestra un Chile de contrastes, una sociedad que avanza, pero que todavía le queda mucho por hacer. Nuestro fútbol es la excusa que puede unificar a un país que todavía sigue dividido.

16- El Chacotero Sentimental, 1999, Cristián Galaz: Entre 1997 y 1998 miles de chilenos se pegaban a la radio después de la hora de almuerzo. Un deslenguado locutor de radio ("El Rumpy") cautivó a los oyentes con un estilo particular y su programa se transformó en un fenómeno social. En el espacio las personas contaban sin pudores sus historias personales - algunas con alto contenido sexual- bajo un código compartido. "Grado uno, dos y tres", sin duda la sociedad chilena estaba cambiando. El guión fue escrito a partir de tres historias reales sacadas del programa. El resultado fue un éxito rotundo y es, hasta la fecha, la película más exitosa del cine chileno. En el año 2007 se filmó una secuela bajo el nombre de "Radio Corazón" debido a una pugna legal entre "El Rumpy" y Cristián Galaz, sin embargo, la película no tuvo el impacto esperado.

17- Coronación, 2000, Silvio Caiozzi: Pasaron casi 50 años para que la novela escrita por José Donoso tuviera cabida en la pantalla grande. Coronación es una historia minimalista y llena de sensibilidad que nos invita a conocer la miseria de nuestra alta sociedad. La locura de una anciana (interpretada magistralmente por la fallecida María Cánepa) y los bajos instintos de su hijo (Julio Jung) encuentran el consuelo en el regazo tibio de una hermosa adolescente traída del campo. Un guión impecable y una fotografía estupenda son la antesala de una película grandiosa.

Las películas chilenas que debes ver

2008-09-08T15:12:00.000-07:00

Primera Parte

Septiembre es el mes de la patria y para celebrarlo haremos un recorrido por las más destacadas producciones nacionales. Sin bien muchas obras han sido excluidas, creemos que aquellas que componen la lista son fieles representantes de lo nuestro y merecen ser difundidas y conocidas por todos aquellos que disfrutan y valoran el cine y su arte.

1- El húsar de la muerte, 1925, Pedro Sienna: Primer largometraje chileno. Cuenta la historia de Manuel Rodríguez, el mítico guerrillero que junto a su escuadrón de subversivos combatió al ejército realista para liberar a Chile de la Corona Española. Sin duda, una joya del cine nacional. Destacan las filmaciones en exteriores y la claridad con que se cuenta la historia a pesar de no tener sonido. Durante las primeras exhibiciones la película era presentada junto a un pianista encargado de la musicalización. Actualmente se puede encontrar una copia restaurada de la obra original donde se incluyen los cartones negros que explican la historia, además de la música incidental. Hay que dejar en claro que a pesar de ser el primer largometraje nacional, en chile se venían haciendo experimentos cinematográficos desde la primera década del siglo XX.

2- La chica del Crillón, 1941, Jorge Délano: Adaptación cinematográfica de la novela de Joaquín Edwards Bello ganadora de un Oscar. Protagonizada por Beverly Bush. Fue éxito de taquilla en su tiempo, sin embargo, y como suele suceder, no dejó para nada contento al autor del libro. Délano fue uno de los grandes pioneros del cine nacional. Realizó parte de su carrera en Hollywood y formó una escuela de nuevos realizadores gracias a los conocimientos adquiridos en el país del norte. La copia original de este film fue destruida en el incendio de la bodega de Chile Films. Del mismo realizador destaca "Hollywood es así" (1944), la que se encuentra en proceso de restauración.

3- Uno que ha sido marino, 1951, José Bohr: Fruto de otro pionero del cine nacional. Esta película -pasada hasta el cansancio por la televisión local- muestra una faceta más amable y juguetona de nuestro cine criollo. Eugenio Retes interpreta a un personaje cómico y deschavetado, que con más ingenio que talento, busca la manera de ganarse la vida. Diálogos cargados de humor y picardía- al más puro estilo de "Cantinflas- son sólo algunos de los méritos de esta gran película.

4- El Gran Circo Chamorro, 1955, José Bohr: Otro clásico imperdible, con escenas memorables (como aquella de la micro o el final en el circo) llenas de sensibilidad y crítica social . El Gran Circo Chamorro es la proyección de una país dividido y lleno de contrastes. Un joven de origen humilde miente acerca de su pasado y niega a su padre (Eugenio Retes) para poder casarse con la mujer que ama (Malú Gatica). Uno de los grandes clásicos del cine chileno. Es necesario destacar la pureza en el uso de la técnica y la introducción de contrapicados revolucionarios para su tiempo.

5- Largo Viaje, 1967, Patricio Kaulen: Es una película impactante, un documento social de su época. Durante la reforma agraria de 1967, una familia es desalojada y obligada a vivir en un Santiago mugriento y hostil. La muerte de un recién nacido- el angelito- será la excusa para acompañar a un chiquillo en un largo viaje a través de las injusticias e hipocresías del chile de fines de los 60. El neorrealismo en su estado puro, cargado de belleza y crudeza al mismo tiempo.

6- Tres tristes tigres, 1968, Raúl Ruiz: Basada en la obra teatral de Alejandro Sieveking, cuya idea original fue cambiada durante el rodaje, cuenta la historia de tres amigos que se pasean por los bares de Santiago. Rodada en blanco y negro y con cámara al hombro, ha cosechado numerosos premios internacionales como el Leopardo de Oro del Festival de Locarno. En estricto rigor, esta es la primera película de Ruiz, ya que anteriormente había rodado "La maleta" (1961) y "El tango viudo" (1967), pero no las terminó.

7- Valpaíso mi amor, 1969, Aldo Francia: Médico de profesión, Aldo Francia decide ser cineasta después de ver "El ladrón de bicicletas" (1948) de Vittorio de Sica. Su corta carrera (sólo dos películas) estaría marcada por una visión cruda, pero realista de la miseria que lo rodeaba. El puerto de Valparaíso fue la locación escogida para mostrar al mundo la dureza de la vida, a través de una mujer embarazada y dos niños que luchan por sobrevivir en medio de la más cruda pobreza.

8- El Chacal de Nahueltoro, 1969, Miguel Littín: A finales de la década de los 60 se vivía en Sudamérica una efervescencia social que empapó a los directores de la época. Durante el Segundo Encuentro de Realizadores Latinoamericanos de Viña del Mar, dos películas calarían hondo en la memoria colectiva de nuestro país y del continente, "Valparíso mi amor" y "El Chacal de Nahueltoro". Rodada completamente en blanco y negro y con cámara en mano (a excepción de algunas escenas) relata el via crusis de José del Carmen Valenzuela Torres, bautizado por la prensa roja como "el Chacal de Nahueltoro", antes de ser ejecutado. Es la obra cumbre del llamado "Nuevo Cine Chileno" y en ella se incorporan recursos como el zoom in y cámaras subjetivas. Cabe destacar la impecable interpretación de Nelson Villagra- "El Chacal- quién llega al límite de la frontera entre el actor y el personaje.

Tony Manero

2008-09-07T16:50:00.000-07:00

Después de su excelente debut en Cannes llega a las salas locales la segunda película de Pablo Larraín.

Sólo elogios a cosechado el segundo largometrage del joven director nacional Pablo Larraín. La historia de un particular asesino (Alfredo Castro) obsesionado con la figura de Tony Manero, el mítico bailarín de "Fiebre de sábado por la noche", no sólo obtuvo buenas críticas en el certamen galo, sino también fue objeto de alabanzas por parte de diversos medios especializados del viejo continente.

La cinta, catalogada como una de las 10 mejores de Cannes por el diario británico The Times, lleva a penas una semana en cartelera y debe competir codo a codo con estrenos taquilleros como "Hellboy 2" o "Viaje al centro de la tierra". Sin embargo, comparte tribuna con otras producciones nacionales como "El brindis" de Shai Agosin o "La buena vida" de Andrés Wood, lo que demuestra el buen pie en que se encuentra el cine chileno actualmente, con una oferta variada y ecléctica, donde la diversidad en las temáticas pone de manifiesto el cambio que sufre la sociedad chilena.

La escafandra y la mariposa

2008-08-25T11:44:00.000-07:00

Inspirada en la novela del periodista francés Jean-Dominique Bauby (Jean-do), la película es un relato íntimo, cargado de emociones y recuerdos. Son los pensamientos de un hombre atrapado en su propio cuerpo, cuya estructura pesada e inerte, cual escafandra, aprisiona sus ideas y sus sueños, anhelos que son plasmados en el papel gracias al incesante parpadeo de su ojo izquierdo, último vestigio de su humanidad en tinieblas.

El pintor y director norteamericano Julian Schnabel, quien había sorprendido al gran público en 2000 con "Antes de que anochezca", donde destaca la participación del ganador de oscar Javier Bardem, vuelve a impactar con esta historia desgarradora, acerca de un hombre quebrado por el destino y que trata de mantenerse vivo a través de su pasión por la literatura.

Schnabel nos entrega un relato cargado de imágenes, recuerdos y sueños. Un recorrido por la memoria de una mente tan libre como prisionera de la realidad. La fotografía a cargo de Janusz Kaminski (habitual compañero de Steven Spielberg), nos sumerge dentro de una estética sugerente. Los colores fuertes, las imágenes distorcionadas, y su sentido onírico contribuyen en la creación del aura necesaria para configurar los elementos de la historia.

La escafandra y la mariposa es un relato de vida. Un grito desde el silencio mas intenso del alma . Una lucha entre el hombre de carne y hueso derrotado y el ser humano libre y sublime que vive en nuestro interior. Una película que llena al espectador de contradicciones acerca del sentido de la vida, pero que también nos da una lección de triunfo y superación más allá de la barrera de lo material.

Ficha Técnica

Dirección: Julian Schnabel
País: Francia
Año: 2007
Género: Drama
Duración: 112 min.
Intérpretes: Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie- Josée Croze, Anne Consigny
Guión: Ronald Harwood, basado en el libro "La escafandra y la mariposa" de Jean-Dominique Bauby.
Música: Paul Cantelon
Fotografía: Janusz Kaminski

Por E.C.

Los pájaros

2008-08-22T11:45:00.000-07:00

Qué mente maquiavélica podría convertir algo tan hermoso y delicado en un ícono de terror y locura sin igual. Trasformar a aquellas criaturas que decoran los cielos en bestias sedientas de venganza que atacan sin provocación.

El terror es y sigue siendo un misterio. Para algunos asustarse es la sensación más desagradable del mundo, para otros simplemente un placer. Para el maestro del suspenso y del horror Alfred Hitchcock era un arte.

Mire por su ventana, observe detenidamente a esas elegantes criaturas que surcan los cielos y se posan en el tendido eléctrico y sobre las ramas de los árboles, son hermosos ¿verdad?. Tal vez usted tenga algunos como mascotas. Ahora imagine que de un día para otro estos hermosos animales enloquecieran sin razón y comenzaran a atacarlo sin motivo aparente. - ¿No le parece escalofriante?- la verdad y para ser honestos no mucho, a mi no me parecía. Sin embargo, después de ver este clásico del cine de horror entendí el por qué de su fama.

Hollywood nos ha acostumbrado a ver monstruos horripilantes, tipos con máscaras cortado cabezas, charcos de sangre (aunque no tengo nada en contra de ello), por lo que hablar de una película de terror, cuyos protagonistas y victimarios son aves, parece, por decirlo menos, raro.

Pero dejémonos de tanta parsimonia y vamos directo al grano. La película comienza en una pajarería en la ciudad de San Francisco (la misma de Vértigo) donde una típica rubia norteamericana de alta sociedad entra a comprar unos pájaros exóticos (fíjense en la escena cuando ella mira a las gaviotas en la plaza). Mientras la hermosa joven curiosea por la tienda, un locuaz hombre la confunde con la tendera y le pide que le muestre unos Lovebirds (conocidos como inseparables o pájaros del amor). Luego de una intensa charla y unos cuantos coqueteos, el hombre se va sin decir nada. La joven sale tras él y anota la matrícula de su auto.

Así comienza esta historia, que poco a poco va sumando elementos que nos llevaran a la debacle. Luego de conseguir la dirección del extraño hombre, Melanie Daniels (Tippi Hedren), decide ir hasta Bodega Bay, un tranquilo poblado a las orillas de un lago, donde vivía Mitch Brenner (Rod Taylor), junto a su madre y su pequeña hermana.

Luego de una particular travesía en bote, Melanie consigue entrar a hurtadillas a la casa de Micht para dejar una jaula con una pareja de Lovebirds. Junto a la jaula deja una carta dirigida a Cathy, la hermana de Micht. Cuando Melanie trata de huir es sorprendida por el espigado Mitch, quien en un rápido trayecto por las orillas del lago, le da alcance. Es en este momento cuando ocurre el primer indicio de que algo anda mal. Cuando Melanie se dispone a bajar del bote, una gaviota se precipita encima de ella y le picotea la cabeza.

El desafortunado evento sirve de escusa para invitar a Melanie a pasar un relajado fin de semana junta a la familia Brenner, pero como buena señorita que se hace respetar, ella no acepta. Sin embargo, la pequeña Cathy, en éxtasis a causa del regalo que le hizo su nueva tía, insiste en que se quede para celebrar su cumpleaños. Finalmente, Melanie decide quedarse en la casa de la profesora del pueblo.

Al día siguiente, lo hechos extraños no dejan de sucederse. Los pollos de la granja se niegan a comer el alimento. Una bandada de gaviotas boicotea la fiesta de la pequeña Cathy y por si fuera poco, cuando se disponían a disfrutar de los restos que habían quedado en la comodidad del hogar, una bandada de gorriones entra por la chimenea y picotean todo lo que se les pone por delante.

Preocupada por la salud de las aves de corral, la señora Brenner (Jessica Tandy), acude a su vecino para averiguar qué está sucediendo. Cuando llega a la granja, todo parece normal, pero a medida que entra a la casa las cosas cambian. Las ventanas están rotas, todo es un desastre y no hay rastros del vecino. La señora Brenner decide subir a la habitación y averiguar qué pasa. Sin dudas está es la escena más macabra del film. El cuerpo del vecino tirado junto a la cama, yerto. Sus ojos habían sido arrebatados por pájaros, claramente había muerto tras una larga agonía. La mujer entra en estado de shock y sale corriendo horrorizada rumbo a su casa.

A estas alturas, Melanie decide quedarse en casa de los Brenner. La madre, en cama, todavía no podía olvidar lo que había visto y se obsesiona con la seguridad de su hija. La actuación de Jessica Tandy es uno de los puntos altos de la cinta. Una madre obsesiva que no logra superar la partida de su esposo, teme quedarse sola, por lo que compite con cualquiera que pueda arrebatarle a su hijo, una especie de relación edípica mal sana.

Con el objetivo de ganarse la confianza de la madre, Melanie decide ir a buscar a Cathy a la escuela. Cuando se va acercando a la vieja casona se da cuenta que decenas de cuervos se posan sigilosos en los juegos del patio, un exquisito trabajo fotográfico a cargo de Robert Burks. Después de alertar a la profesora de la presencia de las aves, las mujeres deciden sacar a los niños y refugiarse en un lugar más seguro. Durante esta secuencia, la tensión se hace insoportable, pero como es imposible tener a un grupo de niños en silencio, el caos se desata y se da rienda suelta a una de las secuencias más memorables del cine. Los pájaros enardecidos, picotean y arañan a los niños que corren y se agachan tratando de esquivar los golpes. Fíjense en as caras de los infantes, parecen estar realmente asustados.

Melanie consigue refugiarse en la taberna cerca del muelle. Los pobladores incrédulos, se niegan a dar cabida al relato de la forastera. Una ornitóloga (¿que conveniente no?) se enfrasca en una discusión con los presentes. Al mismo tiempo que el borrachín del lugar proclama el fin del mundo, una gaviota derriba al bombero de la estación de servicios de en frente derramando gasolina por toda la calle. Todos asisten al hombre caído y nadie se percata que el combustible se derrama a borbotones por la manguera. La cámara se posa sobre el líquido inflamable que no para de salir, creando tensión y dirigiendo las miradas de los espectadores a lo inevitable, una explosión de proporciones. El terror y el caos se apodera de Bodega Bay. Los Brenner se refugian junto a Melanie en la casa, luego de tapiar puertas y ventanas, construyen la jaula que podrá protegerlos de los pájaros.

La película carece de musicalización, sin embargo, durante el clímax en las escenas de la casa, la banda sonara la componen miles de pájaros que graznan al unísono creando una sensación esquizoide y terrorífica , la que aumenta por culpa de la madre, que no puede soportar lo que está sucediendo. Los planos en contrapicado, la oscuridad, y un aura rojiza que tiñe la pantalla, sumergen al espectador en el terror más absoluto.

Finalmente y como era de suponerse si viene de parte del maestro, los pájaros atacan con toda su ira a la blonda Melanie quien ya no tiene las fuerzas para defenderse. Un gesto que se repite en varias de sus obras, en donde hermosas mujeres son víctimas de desquiciados (Psicosis) o quedan a manos de asesinos en serie (El enemigo de las rubias). A diferencias de otras películas de este prolífico director, el final queda abierto. Sólo un gran plano general, coronado por la luna marca el fin del camino para los atribulados protagonistas. No les queda más que huir en el pequeño auto de Melanie, abriéndose paso en medio de los centenares de pájaros, que como una gran marea alada, inundan el lugar.

Ficha técnica

Dirección y Producción: Alfred Hitchcock
Guión: Evan Hunter
Música: Bernard Herrmann
Fotografía: Robert Burks
Reparto: Tippi Hedren, Rod Taylor,Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Malcolm Atterbury
País: EEUU
Año: 1963
Género: Suspenso, terror
duración: 119 minutos

Por E.C.